dimanche 5 mai 2019

A CABRIES, Musée-château Edgar Mélik, Exposition "Les peintres de la réalité poétique"

Article paru dans La Provence, suite au vernissage du 26 avril de l'exposition de Printemps.

Exposition très riche à visiter jusqu'au dimanche 9 juin.
Ouverture du musée de Cabriès : jeudi et vendredi de 14h à 18 h.

                                                     samedi et dimanche de 10h à 12 h et 14h à 18h.

Moment à ne PAS MANQUER, samedi 11 mai à 15 h : M. Cyril Dumas, commissaire de l'exposition, nous fera découvrir l'histoire de ce mouvement pictural au milieu des toiles exposées

lundi 15 avril 2019

2019, 6 ° cycle de conférences Edgar Mélik, Cabriès


Pour la 6° année l'association des Amis du musée Edgar Mélik vous invite à son cycle de conférences autour de la peinture de Mélik (1904-1976). Quatre dates à retenir, au musée Edgar Mélik et à Grasse, villa Saint-Hilaire.

-  Conférence le samedi 27 avril à 16 h , au musée Edgar Mélik : « Dali – Délires ou la peinture contre la paranoïa » se tiendra le samedi 27 avril à 16h,  par Christian Loubet, docteur en histoire de l’art et des mentalités, professeur honoraire à l’université de Nice Sophia Antipolis.
Salvador Dali, La persistance de la mémoire, 1931, Fundació Gala-Salvador Dalí

Dans le cadre de la grande exposition d'été , au Grimaldi Forum Monaco, "Dali, une histoire de la peinture" (du 6 juillet au 8 septembre 2019).
Salvador Dali (1904-1989) entend détourner la menace de l’angoisse "paranoïaque" en brandissant le pinceau comme un paratonnerre. Grâce au surréalisme et à la psychanalyse, il canalise ses obsessions dans une « photographie du fantasme délirant à la main et en couleur ». Lové dans le giron protecteur de Gala, sa femme maternante, il traque ses visions dans la logique de son délire, produisant des images incongrues à double sens, d’une ironie féroce. Mais il se livre aussi à des facéties publicitaires qui en font un précurseur de notre temps hypermédiatisé.


- Conférence le samedi 4 mai à 16 h, au musée Edgar Mélik : "L'écrivain Christiane Delmas, 1962, un roman consacré à Edgar Mélik." par Olivier Arnaud, secrétaire de l'association des Amis du musée Edgar Mélik.

Edgar Mélik, Portrait de Christiane Delmas, collection particulière

                                              

                    Les femmes appartiennent à la peinture d'Edgar Mélik, mais de bien réelles créatures ont traversé sa vie, pour un temps plus  ou moins long (les peintres Madeleine Dinès et Consuelo de Saint Exupéry). Une femme de lettres, Christiane Delmas (1904-1992) auteur de nombreux recueils de poésie,  a bien connu Mélik à Paris juste après la guerre. Elle appartient à la famille Delmas-Vieljeux, celle des armateurs de La Rochelle. Les deux familles se connaissaient. En 1934 Isa, la sœur d'Edgar, avait été la secrétaire littéraire de Christiane Delmas. Les parents d'Edgar Mélik trouvèrent refuge chez les Vieljeux en juin 1940. On ne saurait rien de leur rencontre si Christiane Delmas n'avait pas publié un roman à clé, L'invisible TIERS (La Colombe, 1962). Le titre désigne la passion de l'artiste pour son œuvre, passion qui l'oblige à tout sacrifier.  Ce livre nous révèle  beaucoup de l'existence de Mélik à Paris et surtout sa personnalité tourmentée à travers le regard de celle qui l'aima. Un récit exceptionnel où l'on entend la voix même de Mélik : "Des blocs se détacheront, pulvérisant tout l'inutile, j'aurai crevé le monde des aspects, arraché le bandeau des choses, elles seront nues sous mon propre éclairage." (p. 17). On retrouve aussi leurs pensées communes dans certains aphorismes de Christiane Delmas : "Art de création, né de ton propre feu, de ta propre substance, et art d'interprétation, où ton esprit, collaborant à une réalité déjà existante, s'y transfuse pour la prolonger." (Aux vergers de l'éternité, 1977, recueil dédié à quatre amis disparus, dont Edgar Mélik).


- Samedi 11 mai à 15 h,  visite commentée de l'exposition de Printemps du musée Edgar Mélik, Cabriès, "Les peintres de la réalité poétique" par Cyril Dumas, conservateur du musée Yves Brayer aux Baux de Provence.
Couverture du livre édité en 2011, à l'occasion de l'exposition à Gaillac (Tarn)



- A Grasse, villa Saint-Hilaire, conférence le samedi 18 mai à 17h, dans le cadre de l'hommage rendu par la ville de Grasse à Consuelo de Saint Exupéry (1901-1979), "Quelques femmes artistes dans la vie du peintre Edgar Mélik : Consuelo de Saint Exupéry, Adrienne Monnier, Madeleine Dinès et Christiane Delmas", par Olivier Arnaud, secrétaire de l'association des Amis du musée Edgar Mélik.

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lundi 8 avril 2019

1951, quand Edgar Mélik exposait chez Alphonse Chave, galerie Les Mages, Vence (O. Arnaud)


               Quand Mélik arrive à Marseille en 1932, il ne peint que depuis 1928 et n'a exposé qu'une fois à Paris, galerie Carmine, rue de Seine. Au départ, il semble davantage tourné vers la littérature contemporaine (le cercle d'Adrienne Monnier, rue de l'Odéon, surtout le surréalisme) et  la musique classique. Il doit donc confirmer la voie qu'il a choisie, la peinture comme mode d'expression de l'humain. Au début des années 1950, c'est chose faite. Sa peinture s'expose sur la Côté d'Azur, avec un rythme soutenu.
En 1950, il envoie une toile à Menton pour la première exposition qui donnera ensuite naissance à la Biennale (février-mars, Exposition de peinture d'inspiration méditerranéenne et arts appliqués, avec Paul Signac, Othon Friez, Henri Matisse, Picasso, Raoul Dufy, Maurice Utrillo, etc.). La même année il est invité par Paul Roux à la Colombe d'Or où il séjourne et expose quelques toiles. En 1951 il est chez Alphonse Chave, à la galerie des Mages. Enfin, en 1954, c'est à Saint-Paul-de-Vence qu'il expose, galerie Octobon. 
Quatre dates très rapprochées qui prouvent son implantation vers Nice.  Il bénéficie d'un réseau d'amis installés dans cette région (Consuelo de Saint Exupéry  à Grasse dès 1951, André Verdet à Saint-Paul-de-Vence, Louis Pons et Suzanne Valabrègue à Sillans-la-Cascade, et Lucien Henri à Forcalquier). 
Il est très confiant dans la force de sa peinture mais se montre très hostile à "la Foire à l'esprit, la foire des marchands qui siège dans le quartier de la rue de la Boétie et dans certaines villes étrangères et qui depuis vingt ans me condamne  parce que tout simplement je suis, vous le saurez si vous ne le savez pas, grand peintre." (Lettre au maire de Menton, 9 janvier 1951, Fonds des Cahiers du Sud, Bibliothèque municipale de Marseille, L'Alcazar). .
                Il écrit à Paris, à son amie peintre Madeleine Dinès (fille de Maurice Denis et épouse du poète Jean Follain) : "Chère Madeleine, votre mot m'a bien sûr fait grande joie - rentré il y a plus d'un mois de Saint-Paul-de -Vence et seul à bord ici depuis - à peine dérangé - désolidarisé par leur faute de l'ensemble de mes putrides contemporains et je me crée quelques amitiés, certaines dans ce pays mais surtout à l'étranger parmi les éléments jeunes non viciés. Et je vis laborieusement dans une joie constante sans me faire de souci ni pour les autres ni pour moi-même. Je repars dans quelques semaines pour exposer à Vence. Là-bas ma peinture gagne je puis dire la partie. Mais l'habituel travail de sape, dernier soubresaut de la Foire des marchants ne manque pas d'avoir lieu. Cela me donne l'occasion de me livrer à des enquêtes intéressantes..." (Lettre à Madeleine Follain, 2 septembre 1951, IMEC, Fonds J. Follain).
L'exposition dont il est question aura lieu à la Galerie des Mages, chez Alphonse Chave, du 29 septembre au 13 octobre 1951.
Carton d'invitation, collection galerie Chave, Vence

La galerie Les Mages a été créée en 1947 par le lyonnais Alphonse Chave qui va pendant près de 30 ans faire découvrir des artistes atypiques, souvent rattachés à l'Art singulier ou à l'Art Brut, appellation rendue célèbre par Jean Dubuffet (grand ami d'Alphonse Chave, il a une maison de vacances à Vence dans les années 1950-1960). Alphonse Chave  est aussi l'ami de Jacques Prévert, de Man Ray et de Max Ernst. En 1952 c'est Louis Pons (né à Marseille en 1927) qui y exposera ses dessins et peintures (pour toutes ses informations voir Le monde d'Alphonse Chave ou la vision d'un amateur d'art,  catalogue d'exposition à Lyon, 1981).
Entrée de la galerie Chave (autrefois galerie des Mages), 13 rue Isnard, Vence (photo R. Mackie)



Grâce aux archives de la galerie Chave nous pouvons lire l'article paru dans Nice Matin, le 7 octobre 1951 :
                " Pour bien comprendre et aimer les toiles qu'expose actuellement la Galerie des Mages, il faut connaître leur auteur : Mélik Edgar. Ce sont les manifestations d'un tempérament des plus originaux qui porte en lui une sorte de tragique, né de la lutte entre une sensualité, une imagination, une sincérité fougueuses, une intuition cosmique, poussées à bouleverser l'ordre du monde et à saisir les substances profondes du réel et entre une recherche de la forme qui se fait de plus en plus sévère et régulatrice.
                Mélik Edgar s'efforce de dominer l'expressionnisme latent qui est en lui débordant parfois ses facultés mais qu'un esprit de dépassement incruste souvent dans une forme d'une forte assurance et d'une grande justesse.
                Ce qui paraît en ces toiles, en dehors de leurs qualités d'éclats et de passion, c'est un effort créateur pour assembler, organiser, hiérarchiser le flux, l'étonnant chaos d'images, de sensations qui surgissent de la mémoire ancestrale (Mélik est d'origine arménienne).
                La salle du fond contient deux grandes toiles qui ont atteint au maximum cet équilibre de beauté où l'extrême passion et l'extrême licence de l'image ont trouvé leurs truchements pastiques.
                Aux spectateurs, aux amateurs que cette luxuriance, ces éclats, ces heurts parfois pourraient laisser stupéfaits ou désorientés, nous conseillons de regarder longuement ces toiles afin d'en percevoir l'élément dramatique s'inscrivant avec le plus d'évidence quand les ressources de l'art ont pu les circonscrire et les vaincre.
                Il est rare de contempler une peinture de ce tempérament. Par ses qualités mêmes, elle plaira ou déplaira. Elle s'adresse à ceux qui ont pu avoir des expériences assez analogues au contact de la réalité. D'ailleurs chez Mélik, l'homme et l'artiste ne font qu'un. La sincérité de l'un est liée à celle de l'autre, sa passion à sa passion. On voudrait voir les vastes panneaux dont il parle et qui sont restés, parce qu'intransportables, à Cabriès, dans son vieux château du X° siècle, lieu secret de ses travaux et de ses méditations."
L'article ne permet pas d'imaginer les toiles exposées en 1951, période mal connue de la peinture de Mélik. Mais l'enjeu est bien décrit par le critique d'art. Chaque toile est production risquée et  transitoire (non répétitive comme l'est un exercice de style) qui émerge d'une lutte entre le flux des images, leur chaos primordial et l'exigence inchoative d'une forme juste pour les formes et les couleurs.  Mélik n'interprète pas la réalité perçue à partir d'un style, ce qui fait de la peinture une "paraphrase du monde", pour reprendre l'expression de Carl Einstein. Il recherche une création figurative, une "peinture réaliste inobjective" (selon son expression en 1950 pour son exposition à Marseille, "Ponts coupés).

                Par chance la vision  de cet "étonnant chaos d'images" est rendue possible grâce à la collection privée de la galerie Chave qui a conservé un tableau de l'exposition de Mélik de 1951.
Edgar Mélik, Nu au milieu de personnages, HST, 1951, 73 x 60 cm, collection galerie Chave

                Tableau très  singulier dont la parenté avec l'oeuvre plus connue de Mélik n'a rien d'évident. Il désoriente à ce titre,  et au second degré par son chaos de formes et de couleurs. Au centre l'humour triomphe avec cette jeune femme nue aux jambes démesurées (une idole moderne de l'érotisme ?). Elle bouge bizarrement ses bras et ses pieds nus. Elle s'avance sur un sol bariolé et tout autour d'elle s'agite un monde de couleurs rares et de formes qui se laissent identifier pour mieux nous perdre ensuite. Dans cet espace saturé on distingue la forme humaine qui se répète.
Trois personnages de profil font procession. Une femme avec son chignon se détache sur un ciel bleu et nuageux. 

 






















Devant elle, et plus près de nous, un homme dont on distingue bien l'oeil et le sourcil est composé de taches de couleur. Un halo de formes mais pas de dessin. Enfin, une troisième silhouette ( un dos et une tête) passe derrière la déesse érotique.
 
Une quatrième figure humaine, une enfant à la tête chauve (dont l'arcade sourcilière est une épaisseur de peinture) inverse le mouvement. Dans l'espace laissé vide  Mélik a frotté un minuscule spectre humain (les fonds chez Mélik sont souvent peuplés de spectres).




















 Ce tableau est bien un "étonnant chaos d'images" où surnage la figure qui humanise une vision "surréelle".  Malgré la tentation de l'abstraction que Mélik avait pratiquée quelques années après la guerre, il y a persistance de la présence humaine. Mais il faut reconnaître  qu'en 1951 elle se réduit à un halo ou un spectre tant la menace de son absorption par les formes abstraites est forte.
" La couleur compte, certes, pour moi, mais la ligne ne compte guère. Ce qui compte, c’est le trait vivant. Ce que je nomme langage n’est pas une historiette d’anecdotes, mais un moyen plastique de se faire comprendre de tous avec, - il se peut – d’innombrables différenciations sur le plan logique. Donc, en ceci, il y a synthèse entre le figural et l’abstrait. L’abstraction, peut-être le voyez-vous, peut se faire langage universel mentalement, mais la structure figural humanise et doit rendre vivace, positif même ce langage. D’où cette obstination nécessaire, pensai-je, du caractère figural dans un esprit abstrait. En tout cas, ne pas prendre parti contre la figure, définitivement, car elle a encore quelque chose d’important à dire. » dans "Surréalisme nietzschéen" , entretien pour l'hebdomadaire Comoedia, 1942 (archives Jean-Marc Pontier).

La peinture de Mélik préserve le principe de l'agrégat des figures qui atteint son maximum d'harmonie autour de 1935.
 Edgar Mélik, Agrégats de figures, HST, c. 1935, collection particulière



Du monde animal ne subsistent que quelques formes simplifiées (chiens ou chevaux) dont Mélik peuplait ses fonds abstraits juste après la guerre.  Ils sont devenus des signes qui animent la surface.












             En 1942, la journaliste fait remarquer à Mélik qu'un de ses tableaux peut être vu dans les quatre sens (on pense à la naissance de l'abstraction chez Kandinsky quand il vit un de ses tableaux figuratifs posé à l'envers).  Mélik explique ce qu'est un tableau pour lui :
                « C’est la suggestion des thèmes… Il y a comme un thème cinématographique dans cette chose-là. Et il est permis à chacun de la vivre à sa façon. Vous découvrez des personnages debout dans tous les sens. Un tableau a un sens cosmique qui joue dès qu’il suggère des visions. Ce n’est pas la figure représentative qui compte, mais la figure-langage. Une peinture est un peu un miroir. Je constate que chacun y retrouve son côté dominant. Le violent y voit de la violence. Le doux, de la douceur. »
Le tableau est devenu " image de mouvement", et non la représentation morcelée en tableaux du monde à travers un style répété (un monnayage esthétique). Le tableau est bien un par sa surface mais rien ne l'oblige à être une  homothétie plus ou moins stylisée du monde visible (Paul Klee, que Mélik admire à Avignon en 1947, avait inventé un monde plus autonome que celui de Picasso : "L'art ne rend pas le visible, il rend visible", 1924). En tant que surface le tableau a le pouvoir de présenter des mondes juxtaposés autant par les formes que par les couleurs. La fonction de la couleur n'est plus représentative comme dans la peinture classique, ni même expressive comme chez Matisse, elle est une expérience sensorielle qui menace la formenaturelle. Le peintre est le créateur de ce monde nouveau, "réaliste inobjectif", et chaque observateur s'inclut à son tour dans le tableau. S'il veut trouver une "historiette d'anecdotes", selon une logique adaptée à la perception du monde physique, il sera déçu. Le tableau n'est plus une fenêtre qui découpe une portion du réel, il a "un sens cosmique dès qu'il suggère des visions."
Procession humaine (Détail)
Formes et fonds confondus (Détail)
Vue oblique/couches de matière (Détail, photo R. Mackie)
  
























            Le tableau de la collection Chave permet de s'interroger sur la peinture de Mélik comme production d'un flux d'images. En 1951, chaque tableau refuse d'être une image à contempler. Il  est un "étonnant chaos d'images" qui suggère des visions inédites pour chaque spectateur. En outre, ce tableau est un moment transitif dans l'histoire de la peinture de Mélik qu'on ne peut découper en tranches figées.
Le passé de sa peinture, le présent transitif comme l'avenir virtuel est une seule et même coulée d'images produit de la lutte entre  l'étonnant chaos des images (l'esprit  dionysiaque) et l'effort plastique pour organiser et hiérarchiser par la forme (l'esprit apollinien). Mélik parlera de sa peinture comme union des contraires,  "une forme de romantisme évolué qui va dans le sens de la construction." (Le Méridional, 23 avril 1967).
En 1953 il dit au jeune critique d'art Hubert Juin : "Montrant des cartons de 1940, "Je suis le fils de ce peintre-là" (Edgar Mélik ou la peinture à la pointe du temps, p. 13, La Mandragore, 1953).
C'est dans le roman à clé, Le Tiers invisible (La Colombe, 1962) de Christiane Delmas, femme de Lettres  qui a bien connu Mélik à Paris en 1946-47, qu'on trouve l'écho le plus précis de la vision que Mélik avait du drame de la  métamorphose continue de sa peinture :
"Dans mon art - je m'en rends compte à présent - ce que j'ai vécu depuis dix-huit mois ne fut, à vrai dire, qu'une période de transition. Oui, depuis mon retour de captivité, mes recherches, travaux, esquisses diverses n'auront été que le trait-d'union - ou peut-être de désunion - entre mon oeuvre d'avant la guerre et ma création de demain. S'amorce cette phase seconde où me reconnaîtront à peine mes amis et mes détracteurs, tant elle sera brûlante et calcinée d'un rayonnement solaire. Peindre sera mon total exorcisme. Livrant mes propres pièges, je m'en affranchirai. Oui, morte, ma primitive époque, où plutôt  vraie mère peut-être de cette nouvelle évolution, capitale, que je sens s'imposer à moi. Désormais je n'avancerai plus à l'aveuglette dans les souterrains, je marcherai guidé par mes torches secrètes." (p. 64).
                Peu de tableaux répertoriés à ce jour peuvent être associés à cette exposition de 1951. C'est pourtant le cas de L'homme penché ( voir Edgar Mélik et l'Homme qui marche de Giacometti, blog, mai 2017), un des plus étranges de la production de Mélik. Deux scènes se juxtaposent séparées et unies par des flaques bleues aux reflets angoissants. Les profils sont des halos de couleurs où Mélik joue avec les détails infimes et l'énigme des attitudes. Le fond est d'une puissante abstraction où règnent les formes colorées comme autant de signes inquiétants. 

Edgar Mélik, L'homme penché (quatre profils et couple), 50 x 65 cm, HSC, collection particulière


                Le second tableau qui aurait pu être présent à Vence en 1951 présente une femme nue curieusement assise par terre, ou plutôt sur ses bras passés sous son corps. Son visage de profil est comme un masque. Elle est au premier plan d'un paysage abstrait où l'architecture humaine (une maison-cube avec un halo vert pour une porte et une fenêtre) se confond avec l'architecture de la nature (lignes rouges pour des collines, un pin, les marches d'un sentier, etc.). 

Edgar Mélik, Femme allongée, HST, collection particulière
La forme rouge tracée  à la peinture sortie du tube donne sûrement un sens à cette énigme, mais par chance ou non, ce signe est lui-même indéchiffrable.

                Grâce à la Galerie Chave de Vence, grâce à Alphonse Chave qui invita Mélik en 1951 et à Pierre Chave qui prolonge la découverte des artistes singuliers nous avons un arrêt sur image pour Mélik (article de presse et unique tableau). C'est l'occasion de leur rendre visite, de découvrir Pascal Verbena et ses admirables tableaux-retables composés de bois flottés et l'oeuvre envoûtante d'Amadine Rousguisto ( L'ouvroir aux épingles) dans le splendide espace de nouvelles salles, au 12 rue Isnard, Vence. 

Installations d'A. Rousguisto (Photos R. Mackie, avec l'aimable autorisation de Pierre Chave)


VERNISSAGE DU 26 AVRIL, 18 H 30, "Peintres de la réalité poétique", la fidélité créatrice à Matisse et Bonnard

OUVERTURE du musée-château Edgar MELIK
 

                      Vernissage du 26 avril, à 18 h  30

                                                  "Peintres de la réalité poétique"

L'association des Amis du musée Edgar Mélik est heureuse d'annoncer la réouverture du musée après un long hiver.
Exposition du 27 avril au 9 juin. Horaires : jeudi/vendredi de 14h à 18h / samedi/dimanche de 10 h à 12 h et de 14h à 18h.
Le musée de Cabriès contribue ainsi à la redécouverte d'un mouvement pictural à la forte identité après les expositions en 2011 au musée des Beaux-arts de Gaillac (Tarn), puis en 2012 à l'Abbaye de Saint-Claude (Jura, Dossier en ligne) et au musée d'Aix-les-Bains (Savoie), enfin en  2016 au château de Laroquebrou (Cantal).

Vous pouvez lire ci-dessous un article paru dans Le Point (4 août 2011, en ligne)

Les peintres de la "Réalité poétique" réhabilités à Gaillac
"Les peintres de la "Réalité poétique" (milieu du XXe siècle), un groupe d'amis également appelés "peintres du bonheur", sortent de l'oubli où ils étaient plongés depuis un demi-siècle à l'occasion d'une exposition au Musée des Beaux-Arts de Gaillac (Tarn).
Jusqu'au 19 septembre, une cinquantaine de toiles rendent hommage à ces huit artistes - Maurice Brianchon, Christian Caillard, Jules Cavaillès, Raymond Legueult, Roger Limouse, Roland Oudot, André Planson et le Russe Kostia Terechkovitch -, qui ont eu leur heure de gloire en France de la fin des années 1930 au milieu des années 1960, avant de tomber dans l'anonymat.
Les tableaux, présentés autour de trois thèmes - paysages, natures mortes, femmes -, montrent curieusement des genres et techniques de peinture très différents d'un peintre à l'autre. En fait, note le présentateur de l'exposition, Julien Pélissier, il ne s'agissait pas d'une "école" comme les Impressionnistes, mais d'un "groupe de copains" dont certains ont partagé le même atelier.
Ainsi, à la lumineuse "Table au bouquet de roses blanches" de Cavaillès, répond une sombre "Nature morte aux fruits sur la table de jardin" de Terechkovitch, le style simple et sobre d'Oudot s'oppose à la confusion des toiles de Legueult, les "Femmes d'Afrique du Nord" de Limouse, peintent par gros à-plats, contrastent avec la jeune fille, toute en finesse, du "Nu de dos, au khol", de Caillard.
Réunis en groupe "informel, ils ont peint avec une touche personnelle, et non pas enfermés dans un carcan imposé par un manifeste", souligne Julien Pélissier.
La dénomination de "peintres de la Réalité poétique" leur a été donnée en 1949 par une journaliste de la presse féminine, Gisèle d'Assailly, qui avait remarqué leur goût pour la couleur et une figuration poétique, explique dans le catalogue de l'exposition Luce Barlangue, professeur d'art contemporain à l'université Toulouse-Le-Mirail.
Les oeuvres, provenant pour la plupart de collections privées, permettent de retrouver au fil de l'exposition les influences auxquelles étaient soumis les peintres du groupe - Cézanne, Matisse, Van Gogh... - et de découvrir les voyages qu'ils ont entrepris dans leur carrière: Bali pour Caillard, Grèce pour Oudot, Maroc pour Limouse, Espagne pour Legueult..."

Couverture du livre édité en 2011 par les Editions GRAND SUD

"En 1949, paraissait l’ouvrage de Gisèle d’Assailly : Avec les peintres de la Réalité poétique, baptisant ainsi un groupe informel d’amis peintres liés par une certaine forme d’expression artistique. Ces huit peintres, dont l’amitié pour certains remontait aux années trente, furent de brillants représentants de l’art français de cette période et leur production fut très tôt reconnue, bénéficiant de prix artistiques prestigieux et de nombreuses commandes publiques. Partageant souvent les mêmes ateliers, leur amitié, leur amour de l’art et de la vie, leurs toiles témoignent d’une passion pour la couleur et font référence à un monde sensible traduit par une figuration toute poétique. Même si ce courant semble être passé au second plan de l’actualité artistique dans la seconde moitié du XXe siècle, il n’en demeure pas moins un témoignage important du goût artistique de cette même période. Goût qui, tant à l’aune des expositions qu’à celui du monde de l’art, n’a jamais faibli." (Texte 4° de couverture)
Pierre Bonnard et Jules Cavaillès (1901-1977, voir le site de la ville de Carmaux)
Jules Cavaillès, peintre de la réalité poétique, Gaillac, 2008

1949, Gisèle d'Assailly Couverture du livre



Raymond Legueult, Le bilboquet (1937), site en ligne Le Progrès, 2012


Extrait du quotidien Le Progrès, 2008 (en ligne) :

"C’est une belle façon de valoriser une collection. Le musée de l’Abbaye s’est associé aux musées de Gaillac et Aix-les-Bains pour mettre en lumière un courant oublié, constitué de façon informelle par un groupe d’amis, liés par une forme d’expression poétique.
Les œuvres de quatre d’entre eux - Brianchon, Legueult, Limouse, Oudot - figurent dans le fonds du musée sanclaudien. Ce qui donne à cette exposition temporaire une nouvelle porte d’entrée à la donation de Guy Bardone et René Genis.

Maurice Brianchon (1899-1979) Il fut fortement influencé par Bonnard, Manet, mais aussi par ses voyages - Algérie, Espagne -, par le music-hall, la danse… Brianchon fut notamment décorateur de théâtre, entre-autres à l’Opéra de Paris. Professeur à l’école Estienne, chef d’atelier aux Beaux Arts de Paris, il peignit des paysages, mais aussi des scènes d’intérieur et des nus marqués par une féminité frivole.

Raymond Legueult (1898-1971) Il partagea l’atelier de Brianchon, et comme lui, travailla aux décors de l’Opéra de Paris. Professeur à l’école des arts décoratifs, puis à l’école nationale des beaux arts, il laissa une œuvre subtile et colorée, où se mêlent figures, natures mortes et grands paysages.

Roger Limouse (1894-1990) Né en Algérie, formé à la peinture à Paris, son œuvre s’est nourrie de ses nombreux voyages (Norvège, Hollande, Madagascar, Italie, Maroc, Espagne). Il en ramena des natures mortes, « des scènes de marché, aux couleurs violentes ».

Roland Oudot (1897-1981) Décorateur de théâtre pour les ballets russes et la Comédie française, sa peinture fut très influencée par Cézanne et Bonnard, avant d’affirmer son propre style : des natures mortes et des paysages « souvent dominés par un caractère désolé, statique et emprunt de solitude ».

Christian Caillard (1899-1985) Fasciné par Cézanne, il s’est imposé par son goût des effets de lumière, des éclats de couleur.

Jules Cavaillès (1901-1977) Dessinateur, il partagea l’atelier de Limouse à son arrivée à Paris. Il s’intéressa aux recherche de Braque et de Matisse, aux travaux de Bonnard et Renoir. « Peintre d’atmosphère et des temps heureux », il réalise essentiellement des paysages, des natures mortes, des scènes d’intérieur.

André Planson (1898-1981) Il décora le Palais Chaillot en 1937. Proche de l’univers de Courbet, « sa peinture est robuste, pleine de bonhomie, aux couleurs éclatantes ». Il peint de nombreux paysages, des nus, des portraits, des scènes de théâtre et de danse…

Constantin Terechkovitch (1902-1978) Originaire de Moscou, « Kostia » a la palette éclatante et gaie, entre le fauvisme et le lyrisme de Van Gogh. Il peint le music-hall, les guinguettes, les bords de rivière."  

 

                                                           Association des Amis du musée Edgar Mélik